Artigo arte educação

ARTIGO FINAL

“O Teatro/educação na formação de um ator e na formação integral de um indivíduo sujeito de direitos”

Para se discorrer sobre o assunto “Arte/Educação” será feita uma análise da relação entre a formação artística e profissional de um indivíduo e a importância da arte como instrumento pedagógico. Dentro desta perspectiva de análise, destacando o Teatro Educação, será  enfatizado o processo de desenvolvimento  e o caráter formativo de um estudante, despertando a consciência individual, harmonizada ao coletivo;  no qual, o arte/educador , além de transmitir “saberes”, deve estar atento  ao grito das realidades infanto-juvenis , guiando o educando para a capacidade de assimilar, entender, compreender e descobrir as riquezas que traz em si mesmo e as riquezas do mundo, sendo capaz de fazer a conexão entre o conhecimento adquirido com sua vida prática; sem esquecer da importância da possível descoberta de uma vocação profissional de um jovem por meio do teatro.

A ação transformadora que a arte exerce sobre o indivíduo, traz reflexões e questionamentos, podendo proporcionar a possibilidade da melhoria da qualidade de vida dos educandos e de suas famílias, ampliando a acesso à informação e à autonomia sobre seus direitos e deveres. Considera-se, na maioria das vezes, que em situações de vulnerabilidade social, o mais importante é somente a ampliação das possibilidades de participação  sócio-cultural do indivíduo em caráter formativo. No entanto, vale a pena ressaltar que crianças, adolescentes e jovens que se encontram nessa situação, em que o acesso à arte e à cultura é restrito, necessitam da experiência de ter contato com apresentações artísticas durante o processo de aprendizagem guiado pela Arte Educação, para que possa aprender a apreciar a arte e se beneficiar de seus reflexos. Esse contato possibilita à criança, ao adolescente e ao jovem  apurar  a sua sensibilidade para a melhor compreensão do mundo e de si próprio, e para o desenvolvimento do seu senso crítico. Por outro  lado, é fascinante perceber quando um/a jovem em condições sócio-culturalmente menos favorecidas, assistido pela a Arte Educação em Teatro, descobre que “quer” e “pode” tornar-se ator/atriz; sendo que, antes deste contato com a Arte/educação nunca teria imaginado que o Teatro possui várias possibilidades no campo de atuação profissional; pode ser a descoberta de um talento que possibilita uma carreira. Da mesma maneira, é fascinante perceber um/a jovem nessas mesmas condições, que não se interessa em trabalhar com o Teatro, mas consegue por meio do Teatro Educação, ampliar a sua visão do mundo além do cotidiano e as possibilidades da formação de seu pensamento crítico, se conscientizando do seu "protagonismo", se vendo como agente sujeito de direitos. São considerações que ratificam o Teatro Educação pode ser um importante recurso para a sua formação integral de uma pessoa.

Entretanto, questiona-se muito  até onde o arte educador deve encaminhar o processo para o lado artístico ou até que ponto o ensino artístico é de menor importância, podendo não apenas discutir o tema e tentar solucionar a problemática, mas (re)significar as concepções sobre a formação integral, através da contribuição do Teatro. Analisar  e pesquisar sobre este tema possibilita uma reflexão sobre até onde a qualidade artística, no processo formativo da pessoa, contribui para potencializar a forma de expressão e apurar a sensibilidade e, em alguns  casos, despertar a possibilidade de uma carreira profissional nas Artes Cênicas.

Compreende-se que o Teatro/educação tende a provocar mudanças importantes nos educandos, uma transformação individual que reflete num todo; ou seja, na experiência como aprendiz de teatro, ou na condição de sujeito que visa um mundo melhor, independente da formação profissional na área. Sendo assim, pesquisar sobre o Teatro/educação e sua funcionalidade como constituição do sujeito, pode  possibilitar, além da compreensão do processo e sua interface com a transformação social, auxiliar o arte/educador no seu fazer, para que possa proporcionar reflexões para a sociedade.

Qualidade Artística e o Caráter Formativo

 Dentro da perspectiva da relação entre qualidade artística e o caráter formativo, vale destacar  Ingrid Dormien Koudela,  que questiona “Até que ponto o orientador de um grupo de crianças e adolescentes deve encaminhar o trabalho para o lado artístico ou até que ponto o ensino artístico é de menor importância, considerando-se que está lidando em primeiro lugar, com uma atividade de caráter formativo?” (KOUDELA, 2011, p. 17). Por outro lado, é importante ressaltar que a qualidade artística, por meio da técnica e da estética, deve ser levada em conta, dentro do processo de aprendizagem, independentemente de se formar atores/atrizes e/ou sujeitos de direitos. Segundo Koudela (2011), a importância educacional reside em sua natureza intrínseca, sem precisar de justificativas; como a potencialidade do Teatro no desenvolvimento intelectual, social e afetivo do indivíduo.  Como descreve Koudela (2011)

A concepção predominante em Teatro Educação vê a criança como organismo em desenvolvimento, cujas potencialidades se realizem desde que seja permitido a ela desenvolver-se em um ambiente aberto à experiência. O objetivo é a livre expressão da imaginação criativa. Na visão tradicional, o teatro tinha apenas a função de preparar o espetáculo, não cuidando de formar o indivíduo.( KOUDELA, 2011, p. 18).

Entende-se que o arte/educador deve estimular o educando a pensar, trazendo provocações e questionamentos, sem a imposição de um pensamento, incentivando-o à formação da sua consciência individual, em relação ao mundo e a si próprio. O desenvolvimento do senso crítico de um estudante, está diretamente ligado à formação do “ator social”, sujeito de direitos e deveres, presente e influente na sociedade em que se encontra através de seu drama social, e em busca das transformações necessárias para um mundo melhor. Victor Turner, que é referência no campo da antropologia, fundador da vertente “antropologia da performance”, enaltecendo que o enfoque dos gêneros de performances prioriza os eventos rituais e o teatro como suporte para análise da realidade social; quando se instaura o drama social como cerne pedagógico, a partir do conflito social;  primeiramente, o surgimento da crise, depois a intensificação da crise, depois a reparação, e depois a ruptura com a (re)significação. No processo de ensino-aprendizagem, o arte educador deve se (re)conhecer como mediador, através da arte, trabalhando  ações performáticas e promovendo vivências de (re)significação.

No artigo  “Arte educação no Brasil: Realidade hoje e expectativas futuras”, escrito no final dos anos de 1980, a autora Ana Mae Barbosa relata que a década dos anos 80 é identificada com a década da educação imposta pela ditadura militar. Sendo assim, os arte/educadores da época tinham como objetivo de seu ensino, o desenvolvimento da criatividade como espontaneidade,  era compreendido como senso comum da criatividade, e nunca tinham ouvido falar sobre auto expressão ou educação estética. Segundo Barbosa, “A mais corrente identificação da criatividade com auto liberação pode ser explicada como uma resposta que os professores de arte foram levados a dar para a situação social e política do País.” (BARBOSA, 1989, pg. 171). A época que Ana Mae escreveu este artigo, era um momento meio nevrálgico na arte educação; dentro desta perspectiva, pode-se citar a arte educação modernista e a arte educação pós-modernista, que são momentos bem demarcados;  isso não quer dizer que hoje não exista educadores modernistas  na sua estrutura e no seu modo de expressar; ou artistas em tempos do modernismo que eram  pós-modernistas na forma de expressar a sua arte; a  diferença essencial é que a arte/educação no modernismo tem o conceito do aperfeiçoamento do “dom” que a pessoa nasce, é direcionada mais à elite e se preocupa com o que se coloca à apreciação  sem a discussão do conceito do que é arte, e cujo comprometimento é tirar do artista aquele artista que está dentro dele, não trabalhar o universo externo porque pode trazer uma certa impureza. Já o pós-modernismo tem uma preocupação voltada mais para campo social e político; onde o comprometimento é formar sujeitos politizados e com pensamento crítico das coisas, e da realidade do mundo que o rodeiia, sendo capaz de uma atuação com seu protagonismo na sociedade.

A qualidade artística de uma ação, além da técnica, está embasada no processo e sujeito à transformações até que se conclua. Mas o que é considerado uma encenação teatral de qualidade artística? Richard Schechner avalia que:

“Alguns grupos e artistas fornecem formalismo, outros realismo-naturalismo nos seus limites cotidianos; alguns apresentam complexas histórias sociais e políticas; alguns celebram modos de vida e orientações sexuais alternativas; alguns promovem a criatividade coletiva e os trabalhos planejados em grupo; outros reiteram a visão única de autores. Esta diversidade e qualidade caracteriza tanto os grupos e artistas mais novos como os já es­tabelecidos. Novos artistas chegam à cena, muito bem treinados, meditativos e equipados para apresentar trabalhos soberbos que me­recem atenção e aplauso”(SCHECHNER, 2013, p. 182).

Tanto os atores/atrizes, como os expectadores envolvidos em uma apresentação artística participam de um processo pessoal e são tocados e modificados, de alguma forma, por esta experiência. Daí a importância da qualidade artística,  no trabalho do arte/educador de ensinar Teatro e desenvolver trabalhos artísticos apresentados no final do processo, com um intento pedagogico, que leva em conta as necessidades e interesses de cada indivíduo em formação, utilizando-se das necessidades particulares dos estudantes ou da sociedade para formular seus objetivos.

O Teatro/Educação e as Performances Culturais

As fontes primárias são essenciais para o estudo e a compreensão do Teatro/Educação e das Performances Culturais. Dentre estas fontes,  está a obra de Paulo Freire, o autor da “pedagogia do oprimido”, com foco no humano e no social, tendo como objetivo uma educação que ensine o educando a “ler o mundo” e transformá-lo, agindo a favor da própria libertação. É uma  fonte que merece ser sempre revisitada, para o estudo e a pesquisa em Arte/Educação.

Para o estudo das  Performances Culturais  se realize, é necessário instaurar um drama social, um conflito pedagógico e não repetir os autores, mas usá-los como fonte para a pesquisa; constituir o tema problema,  o cerne da questão; e a avaliação de Arte/Educação é a resposta de um problema instaurado, um pensamento constituído. Pode-se ter como base primária neste estudo a obra de Richard Schechner. Segundo este autor, as encenações teatrais e as performances são fundamentalmente processuais, como descreve:

(...) sempre terá uma parte dessas atividades que estará em transformação, categoricamente não definíveis. Mas todas as performances – definíveis e indefiníveis – compartilham pelo menos uma qualidade: o comportamento em performance não é livre e fácil.” (SCHECHNER, 2011, p. 156).

Os argumentos de Schechner explicitam a complexidade da performance, como expressão de libertação, mas ao mesmo tempo cuidando-se da técnica da arte como ação transformadora. Por outro lado, percebe-se que na visão tradicional a função do Teatro era apenas montar espetáculos, não se preocupando com a formação do indivíduo como sujeito social. Trinta anos atrás, o Teatro/Educação ocupava um campo marginalizado no meio acadêmico; até no próprio sistema de ensino, apesar de uma lei que dava abertura para a o teatro nas escolas, dentro da disciplina de educação artística, como atividade extra-curricular (BELINKY, apud KOUDELA, 2011).

O  antropólogo, filósofo e psicólogo Milton Singer foi o primeiro a designar um conceito de Performances Culturais, mas que para chegar neste conceito ele não só estudou, como vivenciou e experimentou os objetos de pesquisa, para chegar na elaboração deste conceito; que primeiramente está inserido numa proposta metodológica inter disciplinar, que pretende o estudo comparativo das civilizações.

O Ruído e o Grito das Realidades Infanto-Juvenis

No artigo “Sismologia da Performance: Ritual, Drama e Play na Teoria Antropológica”,  autoria de Jonh C. Dawsey,  é destacada a questão do “ruído”, uma área interdisciplinar dentro de uma disciplina interdisciplinar.  O “ruído” é tudo que está à margem e não está na mesma freqüência, que destoa dentro de um contexto; é o que causa inquietações e provocações,  para que se faça algo para transformar e (re)significar. Segundo Dawsey “(...) estudos de performance demonstram um interesse marcante por elementos estruturalmente arredios: resíduos, rasuras, interrupções, tropeços e elementos liminares. Ruídos” (Dawsey, 2007). O “drama social”  se encontra no “ruído”, que é o cerne da questão e onde se encontram os conflitos  e  os estranhamentos, é o que precisa ser investigado.

Para que se desenvolva uma ação educativa através do Teatro/Educação, é necessário que o arte/educador  esteja atento ao "grito das realidades infanto-juvenis” , trazendo perguntas importantes a partir dos conflitos  e questionamentos quanto ao contexto que vivem, em busca de encontrarem  respostas ao desejo de se conhecer melhor e conhecer melhor seu meio. Neste lugar também se encontra o “ruído”,  e é onde está instaurado o “drama social”. O educador deve ter o comprometimento de possibilitar que seus educandos potencializem suas capacidades e suas forças, dentro de uma educação libertadora, possibilitando uma formação que favoreça a atuação nas esferas sociais, mas também na formação como ser humano singular dentro de  uma coletividade.

O processo de ensino-aprendizagem não deve ser focado somente no desenvolvimento intelectual; mas também, no desenvolvimento das emoções, no conhecimento pessoal, na expressão de seus sentimentos, no confronto de idéias, para estimular a formação do pensamento crítico. Trata-se de ajudar este educando a descobrir o mundo em que vive e seu papel nele, como sujeito de direito; estimular  a capacidade de analisar a sua realidade. Segundo Rubem Alves: “Só aprendemos aquelas coisas que nos dão prazer e é a partir de sua vivência que surgem a disciplina e a vontade de aprender”.

Percebe-se, atualmente, que o teatro se constitui uma volta ao coletivo, são formados grupos de estudos e pesquisas para reflexão sobre a arte como agente de transformação social. É gratificante se dar conta de que, boa parte de adolescentes e jovens podem se descobrir como artistas no processo de Teatro/Educação; cujo resultado é a possibilidade de dar continuidade no trabalho teatral, depois de passarem por um processo de Teatro/educação; além do despertar para o auto conhecimento, e o conhecimento de sua realidade sócio-cultural..

A metodologia  Educação Popular criada e desenvolvida por Paulo Freire; tem servido para a atuação das organizações dos movimentos sociais e populares conforme a necessidade e a realidade, buscando respostas para seus “gritos” e “ruídos”; e deve ser usada para a restauração da auto estima, priorizando o protagonismo do educando, para que este saia da condição de dependente e seja sujeito de sua ação e participação.

O Ator Teatral e o Ator Social

O ato de se tornar ator/atriz é visto em diferentes aspectos. Como descreve Odette Aslan, no prefácio da sua obra “O Ator no Século XX, “há poucas publicações sobre o trabalho do Ator, ele mesmo explica mal o seu processo de pesquisa, a utilização consciente de seus limites.(...) O que faz o ‘ator’? O que faz um ator durante cada fase do jogo teatral? Aprende-se atuar? Qual o destino do ator na sociedade do futuro? São muitas perguntas para as quais não se tem resposta definitiva”.  Estas são perguntas freqüentes para quem decide optar por este ofício, para Aslan, é um exame das relações entre o ator e a sociedade. A autora também considera a função do professor de Teatro, descrevendo: “... O professor deve contentar-se em orientar, guiar, retificar, adaptar. Não deve considerar-se o Mestre detentor da verdade, mas apagar-se diante do aluno e do papel.” (ASLAN, 2010, p. XVII -XVIII.). Segundo Brecht, o ator deve se preocupar com seu comportamento na sua profissão e na sua vida, “onde a ética condiciona a técnica”. Sendo assim, cabe ao ator envolver-se com as coisas do mundo como forma de imprimir no teatro uma postura política de atuação. Para o autor, o Teatro ao mesmo tempo que serve de entretenimento, deve levar o expectador à reflexões importantes sobre o mundo, funcionando como um instrumento pedagógico, contribuindo de maneira única para a experiência individual e a compreensão do homem (apud ASLAN, 2010).

Entende-se que o objetivo do Teatro como Arte/Educação é de âmbito social e educativo, e não profissionalizante. Mas é real que a possibilidade que um despertar para uma profissão pode acontecer dentro de um processo arte/educativo voltado para o social, com crianças, adolescentes e jovens, que vivem dentro de um contexto de vulnerabilidade social. Onde são abertos horizontes e possibilidades para que este educando se desperte profissionalmente, e vai em busca de um curso para se profissionalizar; além da formação humana dentro de um coletivo.

Este enfoque, já é suficientemente desafiador para uma reflexão sobre o tema proposto. Compreende-se que o Teatro/Educação provoca mudanças importantes nos sujeitos. Uma transformação individual que influencia um todo; seja na experiência como aprendiz de Teatro, ou como um indivíduo que visa um mundo melhor, independentemente da formação profissional na área, enfatizando todo o processo, e tirando a arte do Teatro da condição de atividade supérflua.

É  importante ressaltar que nem todo ator teatral cumpre a função de um ator social, e vice-versa. Na formação profissional de um jovem ator, deve se levar em conta que o artista é um formador de  opiniões; e através de seus trabalhos, ele tem a função de provocador de uma reflexão sobre determinado assunto, e deve expressar sua arte expondo conflitos humanos e dramas sociais, em vez de  puro entretenimento. O ator social é o sujeito que atua na sociedade, através de seu protagonismo,  contribuindo para a identificação e (re)significação de um “drama social”, favorecendo a inclusão social. O Teatro/Educação tem função essencial na formação do ator social e do ator teatral.

A cultura massiva educa o aluno para não perguntar, pois o educador  já chega com respostas e não problematiza as questões; a problematização faz com que o aluno forme seu pensamento. Muitas vezes, as pessoas são educadas para dar valor ao que vem de fora, para assimilar e repetir outras culturas. É de suma importância, que a educação se baseie na  realidade vivenciada pelo educando, para que ele possa se compreender melhor e o seu mundo, criando e/ou potencializando suas forças, para a construção de um mundo melhor; seja ele, um profissional do Teatro ou um sujeito protagonista de suas ações na sociedade.

REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS

ASLAN,  Odette. O Ator no Século XX: evolução da técnica, problema da ética / Odette Aslan; (tradução Rachel Araújo de Baptista Fuser e J. Guinsburg), - São Paulo : Perspectiva, 2010. – (Estudos ; 119 / dirigida por J. Guinsburg)

BARBOSA, A.M.  Arte educação no Brasil: Realidade hoje e expectativas futuras. In Estudos Avançados. São Paulo, 1989. 3(7) pgs.170 a 182.

DAWSEY, J. Sismologia da Performance: Ritual, drama e play na Teoria Antropológica. Revista de Antropo, USP 2007 V50 número 2.

KOUDELA, Ingrid Dormien. Jogos Teatrais/Ingrid Dormien Koudela – São Paulo: Perspectiva, 2011. _ (debates : 189 / dirigida por J. Guinsburg)

SCHECHNER, Richard. Vanguarda Conservadora. Cadernos de Campo, no. 22, 2013, pgs. 180-192

SCHECHNER, Richard. Performers e Espectadores: Transportados e Transformados. In Revista Moringa Artes do Espetáculo. Vol 2. N1 (2011)